Aleatorio

« Depuis La Mégère apprivoisée, créée pour le Bolchoï, je n’avais quasiment pas chorégraphié, sauf Presque rien, l’an dernier. Je traversais une période de doute et j’en arrivais à me demander si je ne devais pas arrêter, pour un temps. C’était très lié au départ de certains danseurs auxquels mon travail était viscéralement lié. J’attachais plus d’importance à cet instant partagé où mon travail ne peut exister sans l’autre, qu’à la chorégraphie elle-même. De plus, à 56 ans, mon corps ne pouvait plus répondre de la même façon… Or je crée à partir de mes improvisations. Alors j’ai réalisé avoir 75 ou 80 ballets à mon actif. Certains, sur lesquels j’avais beaucoup travaillé, avaient totalement disparu. Une autre de mes particularités est d’ancrer mes chorégraphies dans l’écriture musicale. C’est la source qui génère le mouvement. J’ai alors repensé à un phénomène assez étrange. Il y a une dizaine d’années, j’étais dans mon bureau où j’ai un retour vidéo du studio, tout en écoutant une musique qui n’avait rien à voir. Découvrir mon ballet sur une autre musique apportait soudain une distance passionnante. L’écriture chorégraphique débarrassée de ce lien avait soudain le droit de respirer. J’ai alors compris que cette source fondamentale avait peut-être été une forme de prison et qu’un sentiment, non pas d’étouffement, mais de surabondance qui émanait de mon travail venait sans doute de là.

L’Œil écoute

J’ai donc décidé d’aller au bout de cette démarche pour voir si, en utilisant la dimension aléatoire tout en la réorganisant, ça pouvait générer un choc qui révélerait l’écriture chorégraphique d’une manière nouvelle. Je suis donc revenu sur trois pièces de ces dix dernières années : Men’s Dance, Men’s Dance for Women et Presque rien. Les deux premières étaient sur la musique de Steve Reich, qui imposait une telle donnée rythmique que ça déshabillait la mélodie et produisait une structure chorégraphique forte mais redondante. J’ai substitué à Reich un Concerto italien de Bach joué par Alexandre Tharaud. Je me suis attelé à réécrire la dynamique de la chorégraphie pour créer des décalages accidentels et des rencontres délicieuses dus à une distance entre le regard et l’ouïe. Ensuite j’ai créé trois ou quatre sections totalement nouvelles. Pour moi, cette façon de remettre sur le métier des pièces que j’avais créées peut-être de manière instinctive, consumériste, dans l’urgence, est une manière d’affiner mon travail, de prendre du recul pour comprendre les choses. Le résultat est assez étonnant et réjouissant. »

Propos recueillis par Agnès Izrine